Artista della galleria Renat Semenov, membro dell’Unione degli Artisti della Russia dal 2000. Ha partecipato a esposizioni d’arte nazionali e regionali. La sua prima mostra personale si è tenuta a Pechino (1995), la più recente - ad Abakan («Gli strani sogni di Miguel D., 2017»). Le sue opere pittoriche e grafiche si trovano in collezioni private in Russia, Gran Bretagna e Germania.

Renat racconta le proprie opere d’arte alla galleria "KVARTIRA S".

«Adorazione dei Magi», così come «Adorazione dei Pastori», è uno dei soggetti centrali della pittura rinascimentale, oggi purtroppo quasi del tutto scomparso dall’orizzonte degli artisti laici. L’«Adorazione» non è in alcun modo un’illustrazione, bensì una professione di fede. La storia dell’umanità è cristocentrica, e dei suoi eventi fondamentali è opportuno parlare attraverso simboli; per questo il campo principale del dittico è piuttosto astratto e solo le figure centrali sono prive di deformazioni. Lo stesso accade sul piano dell’essere: soltanto ciò che è sacro ha peso; tutto il resto è schema, astrazione.
Nell’infanzia ognuno di noi rimaneva incantato dall’illusione creata dagli specchi del caleidoscopio: ruotandolo, tutte le parti si mettono in movimento e l’immagine cambia continuamente. Anche il nostro mondo è un caleidoscopio e, finché la Terra continuerà a girare, la vita non smetterà di mutare.

«Il primo mattino del mondo» - è l’inizio assoluto della Terra, il culmine della sua pienezza, quando la corruzione non aveva ancora sfiorato le sue sfaccettature di diamante. Come tutti i colori dello spettro sono racchiusi in una goccia d’acqua attraversata dalla luce, così la Terra stessa, simile a una goccia gigantesca, aveva accumulato in sé la forza creatrice dell’Eterno. Il titolo del dipinto contiene un riferimento al film «Tutte le mattine del mondo» (regia di Alain Corneau).

«Il paese dei pigri» - è come se Bruegel il Vecchio fosse vissuto in Russia. Non siamo affatto un paese pigro; semplicemente, la nostra idea dei bisogni e del comfort è un po’ diversa, o almeno lo era un tempo. Possiamo costruire un grande paese e andare in giro dentro un sacco con aperture per le braccia. Sapevamo creare capolavori e vivere dove capitava, appoggiando la testa su un sassolino. Per questo i «pigri» del dipinto sono piuttosto operosi e amabili: sono gente di casa, trasportata dalla propria fantasia in un paese dalle rive di gelatina. In Russia il pane non è mai stato regalato; perciò il sogno del paradiso in terra ci ha sempre nutriti non meno del pane stesso.
Il mondo umano è fragile: a volte occorrono anni per costruire un rapporto, mentre basta una parola, una sola frase sbagliata per distruggerlo. Innalziamo torri di Babele, ma poi abbiamo paura di scendere. Crediamo nella forza, e non è mai abbastanza.

«La città di vetro» ricorda stratificazioni di vetro azzurro-verde, dove persone e riflessi, fantasie e realtà crescono gli uni dentro gli altri. Il dipinto racconta come stanno davvero le cose: quanto ci inganniamo, schiacciati dalla gravità e dalla nostra esperienza. Il mondo non è ciò che sembra; è più complesso e vulnerabile e, proprio per questo, ha bisogno della nostra protezione, come una splendida pallina di Natale ha bisogno di uno strato di ovatta e del calore di una mano…

«Andalusia» rimanda alla Spagna e allo stile moresco. Il giallo e il nero vi si intrecciano come un sole accecante e una notte impenetrabile. Il nero è il colore dell’abito monastico, il giallo è oro e limone: da qualche parte, al confine tra fede e passione, nasce un suono inconfondibile. È un cuore che è al tempo stesso spada e campana.

«Oltre il confine del sonno», «Ritmi trasversali», «L’argento delle strade» - sono dipinti nati, per quanto possa sembrare strano, sotto l’influsso dell’antica pittura spagnola e delle illustrazioni dei miniatori medievali, che univano la stilistica bizantina alla vivace convenzionalità della miniatura orientale. I dipinti fondono entrambe le tradizioni: sono allo stesso tempo astratti e narrativi, come i sogni, come la nitidezza frammentaria di uno sguardo colto dal finestrino di un treno in corsa.

«La battaglia celeste» ha una base biblica: vi è raffigurata la lotta degli angeli contro le forze oscure prima della caduta di queste ultime. Uno dei soggetti più diffusi del Medioevo compare ormai di rado sulle tele degli artisti contemporanei, incapaci di competere con i grandi maestri epici del passato. Nella «Battaglia celeste» il male è sfumato e privo di tratti definiti; gli angeli si fondono in una nube palpitante di luce, ma possiamo distinguere alcuni dettagli: le armi, le decorazioni del piumaggio. Non ha senso competere con la raffinatezza di Bruegel, con il gigantismo di Michelangelo e William Blake. Eppure l’autore ha creato la propria opera guardando a loro - consapevole che la grandiosità dell’idea può conferire a una forma astratta la consistenza di un’affermazione chiara e potente.